Debido a la pandemia de COVID-19 en curso, el 71 ° Festival Internacional de Cine

de Berlín se lleva a cabo en dos etapas.

Del 1 al 5 de marzo de 2021, se inauguró la 71a edición de la Berlinale con un

evento de la industria para profesionales del cine y representantes acreditados

de la prensa.

El especial de verano para el público en general se llevará a cabo del 9 al 20

de junio como un evento solo al aire libre. El Especial de Verano celebrará

su inauguración el 9 de junio en la Isla de los Museos de Berlín.

Aunque con una oferta más reducida que en años anteriores (tendrá unos 
150 títulos sin contar la retrospectiva) y menos días de lo habitual 
(serán solo cinco jornadas, del lunes 1º al viernes 5 de marzo), la 
muestra alemana pudo reunir en plena pandemia y para una edición online 
destinada en esta primera instancia solo a profesionales del sector 
audiovisual una prometedora selección.

En la lucha por el Oso de Oro hay 15 largometrajes, entre ellos los nuevos

trabajos del surcoreano Hong Sang-soo, la francesa Céline Sciamma,

el rumano Radu Jude, el japonés Ryusuke Hamaguchi, el mexicano Alonso

Ruizpalacios y el alemán Dominik Graf.

Los organizadores de la Berlinale planean del 9 al 20 de junio una edición

presencial en la que estos films tendrán funciones con público.

COMPETENCIA OFICIAL

Jurado: Ildikó Enyedi (Hungría), Nadav Lapid (Israel), Adina Pintilie (Rumania), Mohammad Rasoulof (Irán), Gianfranco Rosi (Italia) y Jasmila Žbanić (Bosnia y Herzegovina).

PELÍCULAS

NOMINADAS Y GANADORAS

BABARDEALÁ CU BUCLUCSAU PORNO BALAMUC

Bad Luck Banging or Loony Porn.

Malasuerte teniendo sexo o porno chiflado.

1 PREMIO.
OSO DE ORO MEJOR PELÍCULA.

SINOPSIS: Explora la relación entre el individuo y la sociedad, mostrando lo que sucede cuando una profesora de secundaria (Katia Pascariu) publica un clip de pornografía amateur en una web. Las consecuencias de su decisión afectarán profundamente su vida.
El director rumano Radu Jude pone un espejo frente a los espectadores (y lo que verán en él puede no gustarles nada)La nueva película de Radu Jude, titulada de forma muy acertada Bad Luck Banging or Loony Porn , es una de esas obras que puede conseguir enloquecer a un jurado o acabar siendo completamente ignorada. La cinta revisa algunos de los temas principales en la filmografía del director, presentando una historia que alterna entre el porno y el collage filosófico, para terminar con un coro de idiotas. Independientemente de que resulte o no premiada en la competición de la Berlinale, Bad Luck Banging or Loony Porn es un visionado obligado, ya que hay pocas películas más estimulantes o capaces de emular mejor la locura a la que se ha enfrentado el mundo durante la pandemia.

Comenzamos con una escena de sexo bastante explícita, donde la maestra de secundaria Emilia (Katia Pascariu) está en la cama con su esposo Eugen (el actor porno Ştefan Steel), haciendo lo que cualquier persona que disfruta del sexo haría en la cama. La cámara de Marius Panduru no se esconde, y el público tampoco apartará la vista de la pantalla, aunque resulta extraño ver algo tan gráfico, tanto en lo que se refiere a las imágenes como al guion de Jude. Después de este sudoroso preámbulo, vemos a Emilia caminando frenéticamente por las ruidosas calles de Bucarest, hasta enterarnos (si no hemos leído antes la sinopsis) de que el vídeo grabado por Eugen se ha filtrado en Internet, amenazando el puesto de Emilia en la escuela.

Jude divide su película en varias partes, poniendo a los espectadores en el lugar de Emilia, hasta obligarlos a convertirse prácticamente en el jurado de un tribunal obsceno, mientras decenas de padres, escandalizados por las transgresiones de la profesora, acuden a la escuela para decidir si merece seguir dando clase a sus hijos. Jude compone una especie de carrera de obstáculos, desde las concurridas calles de Bucarest, donde la gente parece estar perdiendo la cabeza lentamente, probablemente a causa de la pandemia, hasta la escena final en la que se nos recuerda de forma eficaz que "el infierno son los demás" y que, hagamos lo que hagamos, no podemos escapar de su mirada crítica...

Bad Luck Banging or Loony Porn no es precisamente una película que gustará al público, pero definitivamente es una obra que deben ver. Jude hace malabares con muchos temas, desde la existencia cuidadosamente plasmada de la generación de Facebook, hasta las ideas preconcebidas sobre cómo debería verse una película, manteniendo a los espectadores siempre alerta, y golpeándolos ocasionalmente con giros totalmente descabellados. El director cultiva su amor por las decisiones poco cinematográficas (como incluir personajes que leen largas citas de varios escritores en voz alta) y utiliza su arte para ofrecer un comentario sobre nuestra hipocresía, racismo y, a fin de cuentas, completa estupidez.

El aspecto principal que el público debe asumir sobre Bad Luck Banging or Loony Porn es el desafío al que nos enfrenta: reflexionar honestamente sobre nuestras propias elecciones y decidir si, consciente o inconscientemente, preferimos prestar atención solo a lo que consideramos atractivo en nuestras vidas. Atractivo para los demás, por supuesto. Comportándonos como santos en Internet (a pesar de las cintas sexuales) y como demonios necesitados, neuróticos y depresivos en nuestra intimidad, deberíamos llenar el abismo entre estas dos versiones para, tal vez, alcanzar la absolución.

Como diría Jude, buena suerte llamando a esa puerta.

Bad Luck Banging or Loony Porn es una producción de microFILM (Rumanía), coproducida por Paul Thiltges Distributions (Luxemburgo), Endorfilm (República Checa) y Kinorama (Croacia).

CRÍTICA:

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GUZEN TO SOZO

La ruleta del amor y la fantasía.

1 PREMIO.
OSO DE PLATA GRAN PREMIO DEL JURADO.

SINOPSIS: Contada en tres movimientos, es una colección de historias protagonizadas por personajes femeninos que trazan las trayectorias entre sus elecciones y arrepentimientos. Un triángulo amoroso inesperado, una trampa de seducción fallida y un encuentro que resulta de un malentendido.

Luego de sorprender al mundillo cinéfilo con Happy Hour (estreno mundial en Locarno 2015) y Asako I & II (Competencia Oficial de Cannes 2018), Ryûsuke Hamaguchi presentó en la Berlinale este tríptico sobre el amor, las casualidades, los (des)encuentros siempre con protagonistas femeninas, una de las constantes del realizador japonés. Son tres mediometrajes titulados Magic (or Something Less Assuring), Door Wide Open y Once Again que narran un triángulo amoroso; un juego de seducción de una estudiante a un profesor y escritor premiado; y el encuentro fortuito entre dos mujeres que se supone fueron compañeras de clase 20 años atrás.

Más allá de que se tratan de historias independientes, hay estructuras e ideas recurrentes: no solo porque son las mujeres las que están en el centro de la escena como fuerza de atracción y por momentos también de manipulación sino porque en todas se exponen las consecuencias de las elecciones más íntimas, la incidencia del azar y las formas de lidiar con las contradicciones, las tentaciones, los deseos y la culpa.

Dúctil, elegante y delicado tanto en la puesta en escena como en la dirección de actores (y sobre todo de actrices), Hamaguchi trabaja en los confines muchas veces riesgosos de la (in)corrección política. En el segundo episodio, la tensión sexual entre profesor y alumna es evidente, pero mientras ella intenta cerrar varias veces la puerta del despacho; él se encargará de mantenerla abierta, para que quienes pasen por el pasillo vean siempre lo que ocurre en el interior. Un dierctor cada vez más convencido de su estilo, sus obsesiones y sus reconocibles universos cinematográficos.

CRÍTICA:

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HERR BACHMANN

UND SEINE KLASSE

El Sr. bachmann y su clase.

Mr. bachmann and her class.

1 PREMIO.
OSO DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO.

SINOPSIS: Analiza los sentimientos, pensamientos, emociones y melancolía de un grupo de estudiantes de un colegio, concretamente el Georg Büchner School, ubicado en la ciudad industrial alemana de Stadtallendorf. La peculiar mezcla de clases en la sociedad afecta directamente la vida de los estudiantes, sus perspectivas religiosas, el idioma que hablan y las tradiciones de sus respectivas familias. Si en Entre los muros Laurent Cantet ofrecía una versión ficcionada de las experiencias del profesor François Bégaudeau que le valió nada menos que la Palma de Oro en Cannes 2008, en Mr Bachmann and His Class Maria Speth consiguió el Premio del Jurado con un acercamiento documental a las relaciones entre Dieter Bachmann y sus alumnos en una escuela de Stadtallendorf también con mayoría de inmigrantes (en aquel caso, africanos; en este, turcos y de Europa del Este).

Bachman es todo un personaje: severo y atento, impiadoso y empático a la vez con sus estudiantes de entre 12 y 14 años que se preparan para ingresar en la secundaria. Su especialidad es la música, pero en verdad trabaja con ellos en varias otras materias. Es cierto que de vez en cuando aparecen en escena otras maestras y maestros, pero las casi cuatro horas se concentran en su tarea dentro (y a veces fuera) del aula. Nuestro héroe siempre está dispuesto a ayudar, contener, motivar a estos preadolescentes (algunos ni siquiera hablan del todo bien el alemán), pero jamás es demagógico o falsamente condescendiente. Cuando tiene que aplazarlos en lo académico o llamarles la atención por algún comportamiento fuera de lugar se encarga de explicarles por qué. Sus métodos no son tradicionales: apuesta a la improvisación, al trabajo grupal y, si alguien tiene sueño, les permite dormirse una siesta reparadora. Los chicos parecen siempre agradecidos frente a sus propuestas.

El entorno es esencial para entender la forma de trabajo y la importancia de un docente con la experiencia y la ductilidad de Bachman. Los chicos provienen de familias carenciadas, con problemas habitacionales y laborales, y tienen que viajar mucho para llegar al colegio. El docente sabe perfectamente de esas condiciones y trata de lidiar con ellas. Por eso, también suele invitar a los padres (cuando los hay y cuando pueden) a que concurran a la escuela a escuchar a sus hijos tocar y cantar.

La directora Maria Speth (The Days Between, Madonnas, 9 Lives, Daughters) y el camarógrafo Reinhold Vorschneider están allí para observar y capturar la magia de ese encuentro, de esa integración, de esa magia cotidiana. El resultado es absorbente, fascinante: uno de los mejores exponentes recientes dentro de los documentales sobre la educación.

CRÍTICAS:

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RENGETEG

MINDENHOL LÁLAK

Forest - I See You Everywhere.

Bosque. Te veo en todas partes.

1 PREMIO.
OSO DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN DE
REPARTO: Lilla Kizlinger.

SINOPSIS: El director húngaro Bence Fliegauf, un habitual de la Berlinale, regresa a la competición oficial del festival con Forest – I See You Everywhere, presentada como una secuela independiente de su cinta Forest. Al igual que la película de 2003, el último largometraje del director es un drama coral que narra siete historias (o, mejor dicho, seis y media) que tratan sobre las emociones que no queremos sentir.

Ambientada aparentemente durante una misma noche en varios apartamentos, la cinta comienza con una adolescente que culpa a su padre por la muerte de su madre. Su respuesta hace que este sea probablemente el episodio más brutal de la película.

A continuación, vemos a una joven que sufre un ataque de celos porque su novio le presta una cámara a otra chica llamada Anna, con quien le fue infiel en una ocasión. Al hombre le preocupa que Anna haya desaparecido, pero su novia lo toma como otra transgresión, hasta que un giro inesperado revela toda la verdad.

En la tercera parte, probablemente la más desoladora, una pareja con una diferencia de edad de 30 años tiene problemas para concebir un hijo. El hombre, mayor que ella, tiene prisa por conseguirlo, mientras que la joven prefiere esperar antes de volver a intentarlo. No obstante, hay un elemento clave que preferimos no revelar.

El cuarto segmento se centra en un anciano, exadicto a la heroína, sumido en la desesperación a causa de una operación de cirugía, mientras insiste en descubrir un supuesto romance entre su joven esposa y su hijo mayor. Este es el episodio menos emotivo y envolvente de todos.

El quinto fragmento es el más atractivo y satisfactorio, así como el menos oscuro. Una madre religiosa quiere que su hijo abandone los juegos de rol, ya que cree que es una puerta de entrada al demonio, pero el joven acaba desmantelando su hipocresía cristiana.

En la sexta parte, probablemente la más emotiva, un par de amigos (o tal vez amantes) intentan convencer a un antiguo sicario de que mate a un curandero al que considera responsable de la muerte de su exnovia. El hermano de la chica, así como miembros de otras 13 familias, padecen cáncer y están siendo estafados por este monstruo. No obstante, la situación no es tan sencilla como parece.

A modo de epílogo, la película cuenta con un segmento corto protagonizado por una niña y su abuelo moribundo, el único que ofrece algo de luz en esta obra incesantemente oscura y difícil.

Ambientada casi en su totalidad en interiores, la producción cuenta con una dirección de fotografía pulcra y convincente a cargo de Mátyás Gyuricza y Ákos Nyoszoli, que se basa en tomas largas y primeros planos. La edición de Terence Gabor Gelencsér está diseñada para incrementar gradualmente la tensión antes del clímax de cada segmento, al igual que la banda sonora, nuevamente a cargo del director, junto a Tamás Beke y Péter Fancsikai.

En general, las interpretaciones son increíblemente intensas, destacando el trabajo de Juli Jakab en la segunda parte, Gábor Terence Gelencsér en la sexta y Zoltán Pintér, que interpreta al hombre mayor en la tercera parte.

Forest – I See You Everywhere es una coproducción entre las húngaras FraktálFilm y M&M Film, mientras que la alemana Films Boutique se encarga de las ventas internacionales.

CRÍTICAS

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ICH BIN DEIN

MENSCH

I´m your man.

Soy tu hombre.

1 PREMIO.
OSO DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN DE
PRINCIPAL: Maren Eggert.

SINOPSIS: Alma (Maren Eggert) es una antropóloga que lidera un equipo de investigadores de civilizaciones antiguas en el museo Pergamon de Berlín. Solitaria y metódica, a nuestra (anti)heroína la convencen de participar de un curioso proyecto: testear durante tres semanas a un robot que ha sido diseñado para ser su pareja ideal. El humanoide en cuestión se llama Tom (el británico Dan Stevens) y se instala en su hogar con todos los algoritmos listos para ordenarle la biblioteca, sacarla a bailar, prepararle el desayuno, decirle cosas lindas y hasta mantener encuentros íntimos. Pero ella, pragmática y con un dejo cínico, se niega a caer en las redes de esa máquina escultural y con aires de galan, de quien huye y a quien desprecia en todo momento.

En un principio, con imágenes de hologramas y realidad virtual, la directora de La jirafa (1998), Love Life (2007), Stefan Zweig: Adiós a Europa (2016) y la miniserie Poco ortodoxa (2020), que le valió un premio Emmy, parece apostar a algo más bien distópico en la línea de Her/Ella o incluso digno de la serie Black Mirror (podríamos sumar a Blade Runner y Ex-Machina), pero luego -al concentrarse en la dinámica de la pareja- la película se vuelve más intimista y realista, con algunos logrados momentos de comedia. No caeremos en spoilers pero en el desarrollo de la película (que desaprovecha en un insulso papel secundario a Sandra Hüller, la protagonista de Toni Erdmann) tiene una incidencia decisiva algo que proviene de “Buenos fucking Aires” (sic).

Más allá de cierta tentación sobre el final de ensayar una moraleja, I'm Your Man -rodada en plena pandemia- se aleja por suerte del terreno más aleccionador a la hora de abordar cuestiones filosóficas y éticas respecto de la manipulación a partir de la tecnología, de las emociones simuladas. Sin perder su complejidad, sin obviar las inevitables contradicciones, Schrader genera bastante interés y empatía. No se trata de un ensayo sesudo, pero sí bastante inteligente e inquietante respecto de esa tentación tan propia del mundo de hoy de conseguir con solo apretar apenas un botón o dar una orden que alguien (o algo) satisfaga nuestras necesidades, nuestros deseos, nuestras fantasías y nos ilusione con calmar nuestras angustias más profundas.

CRÍTICAS:

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TERMÉSZETES

FÉNY

Ntural Light.

Luz Natural.

1 PREMIO.
OSO DE PLATA MEJOR DIRECCIÓN: Denés Nagy.

SINOPSIS: II Guerra Mundial, en la zona ocupada de la Unión Soviética. István Semetka es un sencillo granjero húngaro que sirve como subteniente en una unidad especial designada para la vigilancia de los grupos independientes. Cuando se dirigen a un pueblo remoto, su compañía cae bajo el fuego enemigo. Tras la muerte del comandante, Semetka se ve obligado a superar sus miedos, tomando el control de la unidad mientras es arrastrado hacia un caos que es incapaz de controlar. Por su virtuosismo formal y algunas conexiones estilísticas, esta ópera prima de Nagy (ganador del premio a Mejor Director) me hizo acordar a El hijo de Saúl, debut de su compatriota László Nemes (aquí hay menos manipulación, pero también menos potencia dramática). Ambientada en 1943, la historia está centrada en una unidad de soldados húngaros que patrulla una zona ocupada de la Unión Soviética en busca de grupos partisanos. Tras la muerte del jefe, István Semetka (Ferenc Szabó) queda a cargo en medio de una odisea que incluye fuego enemigo, un crudo invierno y una geografía inhóspita. Entre el cine bélico y el ensayo existencialista, se trata de una película más para admirar que para sentir.

CRÍTICAS:

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Inteurodeoksyeon

Introduction.

Introducción.

1 PREMIO.
OSO DE PLATA MEJOR GUION: Hong San-Soo.

SINOPSIS: Youngho es llamado por su padre, un doctor. Allí se lo encuentra atendiendo a sus pacientes, uno de los cuales es un famoso actor. Cuando su novia Juwon se va a Berlín por sus estudios, Youngho aparece en la ciudad para sorprenderla. La ficha técnica precedente da varias pistas sobre el nuevo largometraje del hiperprolífico director coreano: dura apenas 66 minutos, Hong Sang-soo se ocupó de casi todos los rubros y en esta apuesta más coral que de costumbre (repartida en tres segmentos) hay ocho personajes de peso (interpretados en varios casos por figuras recurrentes dentro de su filmografía). También podría agregarse que es en blanco y negro, y que mantiene todas las marcas de estilo de su cine.

En el centro del relato está Youngho (Shin Seokho), un joven aspirante a actor que mantiene una muy fría relación con su padre (Kim Youngho), un exitoso médio acupunturista, mientras que su novia Juwon (Park Miso) está a punto de viajar para estudiar diseño de moda en Berlín. Frustrado en lo afectivo y lo vocacional, nuestro típico antihéroe intentará ser rescatado por su madre (Cho Yunhee), que lo invita a charlar con un legendario actor de teatro (Ki Joobong), con quien debatirá sobre la autenticidad y la moralidad de ese oficio.

Entre caminatas por la playa o por las calles y -claro- largas charlas regadas con generoso soju, Introduction nos devuelve el universo inconfundible de un autor que, a esta altura, no tiene más nada que demostrar, salvo su vigencia. Como insisten sus detractores, podrá decirse que es más de lo mismo, pero para el resto reencontrarse con ese mayúsculo nivel narrativo y actoral, sereno e intenso, maduro y despojado a la vez, es como una procesión cinéfila a una meca que jamás defrauda.

Un film sobre las diferencias generacionales, sobre las contradicciones íntimas y la angustia de la vida moderna que Hong maneja sin regodeos ni excesos, con el tempo justo, la sensibilidad perfecta y esa sabiduría propia de los grandes maestros.

CRÍTICO:

"Funciona a modo de breve muestrario de casi todo cuanto compone el método del [director] coreano, y por tanto reafirmará tanto los motivos de sus seguidores como los de sus detractores." Nando Salvá: Diario El Periódico
"La última miniatura del autor coreano no es exigente con el espectador, pero más allá de su superficie plácida y agradable, esperan ricas recompensas" Jessica Kiang: Variety
"Demuestra el delicado toque de Hong creando películas que, como cierto tipo de historias o poemas, sugieren más profundidad y detalle de lo que aparentan. Puntuación: ★★★ (sobre 5)" Peter Bradshaw: The Guardian
"Una obra de cámara deliciosa, nostálgica e inteligente que coquetea amablemente con la cuestión de si puedes amar a alguien sin controlarlo de alguna manera" Lee Marshall: Screendaily
"Una historia consistente y confusa, compacta, pero densa. Pero aun con todas sus elecciones deliberadas y provocativas elipses, es uno de los trabajos más escasos del director" David Katz: Cineuropa
"Hong continúa comprimiendo la distancia entre él mismo y sus actores. El resultado es un melodrama moderno de dolor, belleza, fijos abruptos, resonantes puntos muertos y falsos inicios Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" Chuck Bowen: Slant

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UNA PELÍCULA

DE POLICÍAS

A Cop movie.

1 PREMIO.
OSO DE PLATA CONTRIBUCIÓN ARTÍSTICA SOBRESALIENTE: (Por el Montaje)

LA DISTRIBUCIÓN Y PROMOCIÓN DE ESTE FILM ESTÁ EN PREPARACIÓN.

SINOPSIS: Una atrevida apuesta audiovisual que combina el documental y elementos de ficción. La película da voz a una de las instituciones más controvertidas de México: la policía, y desentraña las causas de la crisis de impunidad que afecta al sistema de justicia. ¿Un documental sobre la policía en Ciudad de México? ¿Una película de ficción? ¿Un falso documental? ¿Un reality tipo Cops o Policías en acción? No solamente es difícil encasillar o definir la propuesta de este tercer largometraje de Ruizpalacios luego de Güeros y Museo sino que incluso resulta un ejercicio inútil, ya que el talentoso director mexicano no hace otra cosa que modificar la percepción, desafiar las certezas, defraudar una y otra vez las expectativas. Cuando estamos convencidos de que por fin hemos desentañado el mecanismo concebido por el director vendrá una nueva vuelta de tuerca, otro (des)engaño.

Es cierto que este constante ejercicio manipulatorio puede agotar e irritar a más de uno (imagino la falta de paciencia de tantos espectadores que la vean en Netflix), pero las historias (reales, maquilladas o imaginarias) que aquí se cuentan jamás dejan de interesar ni tampoco sus permanentes mutaciones narrativas.

Primero conoceremos a Teresa (Mónica Del Carmen), una mujer policía; luego a Montoya Montoya (Raúl Briones), un hombre policía; más tarde sabremos que ambos son pareja (se los denomina “la patrulla del amor”) y las dos últimas partes... bueno, mejor no contar nada de eso.

La película es, por un lado, una exploración de espíritu documentalista que puede haber en la ficción y, por otro, un ensayo sobre cómo se “construye” un documental. También es un exponente de cine de género, y un ensayo sociológico sobre las diferencias sociales, raciales y la violencia en México, sobre cómo los policías son seres corruptos, pero también hombres y mujeres sin demasiada formación, frágiles y muchas veces desamparados. Victimarios y víctimas, aunque suene a lugar común.

Y, finalmente, Una película de policía es, también, una historia de amor. De amor en medio del horror, de la degradación, con un cierre lindante con lo surreal y casi hipnótico. Así, en sus múltiples facetas y alcances (e incluso en sus contradicciones internas y externas), en su apuesta lúdica y experimental que no bastardea su crítica social, reside el poder sugestivo y fascinante de este nuevo trabajo de Ruizpalacios.

En un cine mexicano dominado por películas como Nuevo Orden, de Michel Franco; o Heli, de Amat Escalante, que un director como Ruizpalacios aborde la problemática de la policía con semejante nivel de audacia formal y temática me resulta un bálsamo, un síntoma de lo más esperanzador.

CRÍTICA:

TRAILER

Ras vkhedavt,

rodesac cas vukurebt?

What Do We See When We Look at the Sky?

1 PREMIO.
FIPRESCI: Premio Internacional de la Crítica.

LA DISTRIBUCIÓN Y PROMOCIÓN DE ESTE FILM ESTÁ EN PREPARACIÓN.

SINOPSIS: Tras encontrarse fortuitamente en la calle, Lisa y Giorgi se enamoran a primera vista: pero hay un hechizo maligno contra ellos. ¿Se encontrarán de nuevo? Tras Let the Summer Never Come Again (2017), el georgiano Alexandre Koberidze ratifica que es dueño de uno de los universos cinematográficos más estimulantes dentro del panorama contemporáneo. En What Do We See When We Look at the Sky? juega con muy diversos géneros y estilos (comedia romántica, elementos fantásticos, humor absurdo, documental, ensayo urbano, cine mudo, off de impronta literaria) para un film que, para poner dos ejemplos extremos, remite a la obra de Mariano Llinás por un lado y a cierta impronta de Chaplin, Keaton y Tati por el otro.

En la ciudad de Kutaisi viven la farmacéutica Lisa y el futbolista (y muy futbolero) Giorgi. Se conocen de casualidad en la puerta de un colegio (se chocan ¡tres veces seguidas!) y lo suyo es amor a primera vista. Sin siquiera preguntarse sus nombres quedan en verse al día siguiente en un café. Pero una maldición (sobrenatural, ridícula, hilarante) cae sobre ellos al punto que cambian de aspecto y hasta de conocimientos. La cita, por supuesto, terminará en fracaso. Durante sus fascinantes 150 minutos esta fábula se ocupa no solo de los dos improbables amantes sino también del fútbol (Giorgi resulta ser una fanático de la selección argentina, que en la ficción sale ¡campeona del mundo! y todos los niños se pintan directamente sobre sus espaldas el número 10 y el nombre de Messi), sobre perros callejeros (como el querible Vardy) que también aman el más popular de los deportes, sobre bares donde se ven -claro- los partidos, sobre escuelas de música, sobre cómo disfrutar de la repostería o sobre una experiencia de cine dentro del cine con un equipo filmando las historias de distintas parejas. Y uno de los mejores momentos es cuando suena completa Notti Magiche, el himno cursi y genial de la Copa del Mundo de Italia 1990.

Koberidze no se impone límite alguno, prueba, se arriesga y casi siempre triunfa: en un momento le pide al espectador que escuche una señal, cierre los ojos y los reabra cuando esa señal vuelva a sonar. No es que estemos ante una genialidad, pero es un ejemplo de cómo un cineasta intenta conectar e interactuar desde muy diferentes perspectivas y propuesta con su público.

Romántica, lírica, dueña de un humor asordinado a-la-Martin Rejtman, de un delirio que por momentos recuerda a Wes Anderson, su compatriota Otar Iosselliani, Aki Kaurismäki y Roy Andersson, deslumbrante en su retrato de un tiempo, un lugar y unos personajes excéntricos (mérito también de la ductilidad del DF Faraz Fesharaki para el digital o el 16mm), What Do We See When We Look at the Sky? es un film lúdico e incasillable, de esos que se hacen con libertad y talento, sin fórmulas ni prejuicios, con desparpajo y sin cálculo alguno. Atributos que precisamente no abundan en el cine actual.

CRÍTICA:

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OFFICAL CLIP

Ghasideyeh

gave sefid

Ballad of a white cow.

Balada de una vaca blanca.

1 NOMINACIÓN.
OSO DE ORO MEJOR PELÍCULA.

SINOPSIS: Una mujer cuyo marido es ejecutado pasa por apuros a la hora de cuidar de su hija minusválida. Pese a sus problemas, la familia de su antiguo cónyuge insiste en que debe casarse con su hermano y permanecer con ellos. Posteriormente descubren que la sentencia de muerte es errónea y que el principal sospechoso es en realidad el único testigo que incriminó a su marido.La aquí debutante Maryam Moghaddam (también protagonista absoluta) y Behtash Sanaeeha (Risk of Acid Rain) codirigieron este potente thriller psicológico de fuertes implicancias morales y espíritu contestatario (toda una audacia en un país como Irán).

Moghaddam interpreta a Mina, madre de una niña sordomuda que en la primera escena vemos despedirse de su marido antes de que este sea ejecutado. Al poco tiempo, mientras realiza todo tipo de trámites (la mirada a la burocacia judicial y administrativa hace recordar por momentos a La separación, de Asghar Farhadi), le informan que una persona ha confesado un crimen y que en verdad la condena a pena de muerte fue un error. Ella no aceptará un resarcimiento económico como compensación sino que luchará por un pedido de disculpas institucional.

Ya viuda (condición que en una sociedad machista como la iraní genera todo tipo de perjuicios y limitaciones), Mina encontrará en Reza (Alirez Sanifar), un hombre que dice haber sido amigo de marido, una ayuda inesperada, una generosidad poco menos que conmovedora. Pero, claro, pronto entenderemos por qué lo hace (no caeré en el spoiler). Por otra parte, la familia de su ex marido acentuará la presión en vez de aliviarle su situación.

Sólida en términos narrativos y actorales en casi todo su trayecto, Ballad of a White Cow decae un poco sobre el final, pero en líneas generales es una película que genera interés, empatía y una lógica indignación frente a las penurias de una mujer sometida por un sistema injusto, hipócrita y en muchos casos decididamente perverso.

CRÍTICA:

TRAILER

FABIAN

oder Der Gang vor

die Hunde

Fabián going to the dogs.

1 NOMINACIÓN.
OSO DE ORO MEJOR PELÍCULA.

SINOPSIS: Ambientada a finales de la década de los años 20, se centra en la vida de Jakob Fabian, un hombre que por el día trabaja elaborando anuncios de publicidad para una tabacalera y por las noches vaga por distintos estudios de artistas, pubs y prostíbulos de Berlín. Con la crisis económica y política como trasfondo, se enamora locamente de una actriz. Sin embargo, a medida que su carrera empieza a florecer, Fabian, al igual que muchos otros, pierde su trabajo. Si Mr Bachmann and His Class dura 217 minutos, esta transposición de la mítica, maldita y desgarradora novela de Erich Kästner “apenas” demanda 176 de nuestra atención. La película está ambientada en la Babelsberg de 1931, o sea, en medio del colapso económico y el imparable ascenso del nazismo. Se trata de un melodrama romántico narrado por el prolífico director de cine y TV Dominik Graf (The Gamblers, A Map of the Heart, Amadas hermanas) con mucha cámara en mano para conseguir una urgencia, inmediatez y vértigo poco habituales en el cine de época.

Jakob Fabian (Tom Schilling) es un académico de 32 años que se gana la vida como creativo publicitario para una compañía tabacalera y que de noche frecuenta burdeles y cabarets con su amigo Stephan Labude (Albrecht Schuch). Cuando conoce a la veinteañera Cornelia Battenberg (Saskia Rosendahl), una abogada especializada en legislación cinematográfica pero con aspiraciones de convertirse en actriz, su vida cambiará para siempre: será un amor intenso, obsesivo, trágico. Mientras él pierde su empleo y se queda sin dinero, ella empieza a ascender en su carrera artística. Las diferencias se ahondan, pero la pasión persiste.

La novela de Kästner está considerada como una de las más importantes de la República de Weimar y Graf le hace honor con un largometraje que traza -sin tensionar más de la cuenta- un paralelismo entre la degradación del personaje y la de una Alemania que empezaba a transitar sus peores horrores. Un film notable. Triste, solitario y final.

CRÍTICAS:

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ALBATROS

Drift Away.

1 NOMINACIÓN.
OSO DE ORO MEJOR PELÍCULA.

SINOPSIS: Laurent, un comandante de brigada de la gendarmería en Etretat, planea casarse con su compañera Marie. Laurent ama su trabajo a pesar de la confrontación diaria con la miseria social, pero un día un terrible accidente hace que su vida cambie por completo. Tras diez años de convivencia y siendo ya padres de la pequeña Poulette (Madeleine Beauvois), Laurent (Jérémie Renier) decide que es tiempo de proponerle casamiento a su compañera Marie (Marie-Julie Maille). Tras el sí de ella, los tres se abrazan en una imagen de enorme ternura.

Pero esa felicidad le durará poco a este policía de la pequeña comunidad de Étretat en Normandía. Tras seguir varios casos (fraudes de seguros, abuso infantil o el de un parisino que se suicida arrojándose desde un acantilado) se topa con uno que le cambiará la vida y no precisamente para bien, ya que termina matando a un granjero de la zona.

El descenso a los infiernos de Laurent será angustiante, desesperante, desgarrador. En su octavo largometraje, el director de Nord, N'oublie pas que tu vas mourir, Le petit lieutenant (otro retrato sobre un policía), la notable De dioses y hombres y Los guardianes intenta combinar elementos de thriller con el drama íntimo, no siempre con resultados estimulantes.

La esforzada actuación de Renier es lo mejor de un film no demasiado consistente que por momentos machaca y subraya en su exploración del destino, las casualidades, el azar, la (mala) suerte y sobre todo la culpa, este último un tema recurrente en una filmografía de Beauvois que supo regalar mejores exponentes.

CRITICA:

TRAILER

NEXT DOOR

Nebenan

1 NOMINACIÓN.
OSO DE ORO MEJOR PELÍCULA.

Título original: Next Door
Año: 2021
Duración: 92 min.: Estados Unidos
Dirección: Daniel Brühl
Guion: Daniel Kehlmann
Fotografía: Jens Harant
Reparto: Daniel Brühl, Nils Doergelo, Peter Kurth, Aenne Schwarz, Rike Eckermann, Gode Benedix
Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; Amusement Park Films, Erfttal Film, Warner Bros. Film Productions Germany
Género: Drama. Comedia | Comedia negra

LA DISTRIBUCIÓN Y PROMOCIÓN DE ESTE FILM ESTÁ EN PREPARACIÓN.

SINOPSIS: Narra la historia del encuentro entre un famoso actor y un vecino de lo más peculiar. Sus conversaciones tienen lugar en el único escenario de un bar de barrio donde comparten confidencias y abordan temas como la gentrificación y la desigualdad social en Berlín. Para su ópera prima como director, Brül eligió una historia y un personaje de inevitables similitudes con la suya. Su alter-ego es, claro, un actor que habla a la perfección no solo alemán sino también inglés y español. Daniel vive en un hermoso departamento reciclado en el Prenzlauer Berg berlinés junto a su esposa, sus dos hijos pequeños y una nanny latina, viene de cosechar mucho éxito con una serie, pero su carrera está a punto de dar el gran salto con una audición para el casting para un tanque de superhéores en Londres. Por más que le mandan un auto a la puerta de su casa, decide ir más tarde al aeropuerto en un taxi y pasar un rato por un bar que parece salido de una película de Aki Kaurimäki. Allí es abordado por Bruno (Peter Kurth), un hombre que resulta ser su vecino y que sabe mucho (demasiado) de su vida. Bruno es el típico veterano resentido y amenazante de lo que alguna fue la Alemania del Este (y la Stasi); Daniel, el joven exitoso de la “vencedora” Alemania Occidental. Para ninguno, de todas maneras, parecen resueltas las cuentas de la unificación.

Esta tragicomedia de espíritu muy negro (con algo de Un día de furia y Después de hora) está concebida a partir de diálogos punzantes, filosos, que exponen en toda su dimensión las diferencias de clase y generacionales, la contracara de la fama, la culpa, las imposturas y el egocentrismo de los artistas, así como las falsedades, perversiones e hipocresías de la existencia contemporánea.

Más allá de unas pocas escenas en exteriores y de la aparición de diversos personajes secundarios (todos admiradores o detractores del astro), la película transcurre casi íntegramente dentro del bar y con el duelo dialéctico (y algo más) entre los dos protagonistas. Una apuesta bastante teatral que requiere mucho más del despliegue de los intérpretes que de la puesta en escena. Una elección lógica para este debut de Brühl detrás de cámara.

CRÍTICA:

OFFICIAL CLIP

PETITE

MAMAN

Pequeña Mamá.

1 NOMINACIÓN.
OSO DE ORO MEJOR PELÍCULA.

LA DISTRIBUCIÓN Y PROMOCIÓN DE ESTE FILM ESTÁ EN PREPARACIÓN.

SINOPSIS: Drama sobre la infancia, protagonizado por dos niños de ocho años. Desde que se estrenó en el Festival de Cannes 2019, Retrato de una mujer en llamas / Portrait de la jeune fille en feu fue saludada casi unánimemente como una obra maestra. A mi me gustó (la califqué por entonces con 7 puntos), pero me parece una película demasiado calculada y hasta académica. Petite maman dura poco más de una hora (casi la mitad que su predecesora) y estoy cada vez más convencido de que la verdadera obra maestra es esta.

Rodada en medio de la pandemia con dos niñas como protagonistas (y tres adultos en papeles secundarios) en una casona rodeada por un bosque como locación principal, Petite maman arranca en un geriátrico: Nelly (Joséphine Sanz) es una niña de 9 años que no ha podido despedirse como hubiera querido de su amada abuela, que acaba de morir. Sus padres (Stéphane Varupenne y Nina Meurisse) la llevan a la que fuera la casona de la recién fallecida para vaciar estantes y bibliotecas en un proceso inevitablemente doloroso. La mamá no soporta el trance, abandona el lugar y deja que su marido termine la tarea. Hasta aquí un film realista más sobre los diversos mecanismos a los que personas de distintas edades apelan para emprender un duelo.

Sin embargo, para el resto de los escasos pero profundos y fascinantes 72 minutos de Petite maman la directora de Naissance des pieuvres, Tomboy y Bande de filles nos tiene reservada una sorpresa. Sin abandonar el naturalismo de las situaciones y las actuaciones, comienza aquí una extraña veta fantástica que no conviene anticipar en su resolución. Lo cierto es que Nelly se hará de una nueva amiga de su misma edad, Marion (Gabrielle Sanz), que está a punto de ser operada, y eso dará pie a varios descubrimientos y revelaciones que las pequeñas asumen con la inocencia propia de la edad (y también con una madurez un tanto ilógica que luego encuentra su justificación).

Sin ostentaciones ni excesos, con una hermosa fotografía a cargo de Claire Mathon (la misma colaboradora de Retrato...) que nunca se regodea en la belleza del entorno, vemos cómo las chicas arman una casa en el bosque, cocinan panqueques, interpretan una obra que ellas misma escribieron, soplan las velitas para celebrar un cumpleaños. La dulzura en medio de la tristeza, el (re)encuentro en medio de un viaje en el tiempo muy especial.

La película hace recordar por momentos a la también notable Yuki & Nina, de Nobuhiro Suwa e Hippolyte Girardot; y a otras dos joyas como Mi vecino Totoro y El viaje de Chihiro, ambas de Hayao Miyazaki, pero Sciamma logra un universo tan femenino, íntimo y distintivo que convierten a esta pequeña (en duración) película en una fábula sobre el tiempo y los afectos para todas las edades, con unas dimensiones y alcances insospechados. Uno de los mejores títulos vistos en esta Berlinale 2021.

CRÍTICA:

TRAILER

COMPENTECIA ENCOUNTERS

Jurado: Florence Almozini (Francia), Cecilia Barrionuevo (Argentina) y Diedrich Diederichsen (Alemania)

Recorrido crítico por las películas (incluidas las cuatro premiadas por el jurado) de la segunda competencia oficial, reservada a apuestas más audaces, experimentales y radicales.

PELÍCULAS SELECCIONADAS

Y GANADORAS

Nous.

1 PREMIO.
GANADORA: MEJOR PELÍCULA.

SINOPSIS: Documental que se centra en los encuentros en una vía férrea que cruza de norte a sur por París y sus alrededores: una señora de la limpieza, un comerciante de chatarra, una escritora, una enfermera, una seguidora de la caza y la propia cineasta. La directora de Vers la Tendresse y La Permanence continúa su exploración de la Francia más profunda y olvidada, la menos turística, la de los Banlieues parisinos donde (sobre)vive una mayoría de inmigrantes africanos. Diop toma como excusa el recorrido de la línea RER B del ferrocarril que recorre distintos suburbios y, como si se bajara en distintas estaciones, va encontrándose con ancianos, adultos, jóvenes, adolescentes y niños que representan esa diversidad que el cine francés ya sea de ficción o documental como en este caso no ha sabido, querido o podido retratar como se debe (aunque esa tendencia por suerte ha empezado a cambiar en los últimos tiempos): un mecánico cuya familia vive cerca de Bamako (Malí), una enfermera que va de casa en casa ayudando a gente de pocos (o nulos) recursos; la historia de sus propios padres que, a pesar de estar radicados en Francia, ahorraron toda su vida para comprar un terreno donde ser enterrados en su Senegal natal (proyecto que Diop nunca compartió) y un cierre más intelectual con un encuentro e intercambio entre la directora y el escritor Pierre Bergounioux que sirve como una suerte de balance de este retrato social.

Lejos de la compasión, de la denuncia obvia, de la mirada superadora o del golpe bajo, Nous resulta una panorámica admirable sobre la dinámica cotidiana, los códigos, las relaciones humanas, el racismo, las diferencias sociales, la fuerte y permanente sensación de nostalgia y las estrategias de supervivencia de esas mayorías silenciosas y en muchos casos olvidada

CRÍTICA:

TRAILER

TASTE

V!.

1 PREMIO.
GANADORA DEL PREMIO ESPECIAL DEL JURADO.

SINOPSIS: Bassley, un futbolista nigeriano que vive en Vietnam, no ha podido ganarse la vida desde que se fracturó la pierna. Él y cuatro mujeres de mediana edad para las que a veces trabaja deciden escapar de su decepcionante vida diaria. Van a una casa antigua donde juntos crean un mundo especial para ellos. Pero esta utopía íntima no puede durar para siempre.La ópera prima del vietnamita Lê Bảo tiene varios aspectos estéticos y narrativos que remiten de manera directa con el cine austero y minimalista de Tsai Ming-liang; sin embargo, el film que le valió el segundo premio en importancia de esta sección describe un mundo muy particular. El protagonista es Bassley (Olegunleko Ezekiel Gbenga), un nigeriano al que una lesión le corta su carrera como futbolista. Cuando su contrato se vence y es abandonado por su club, se instala en una villa miseria de Saigón (o Ciudad Ho Chi Minh) junto a cuatro veteranas mujeres vietnamitas (y un chanchito omnipresente) con quienes establece una más que curiosa existencia: están casi todo el tiempo desnudos, se bañan juntos, cocinan juntos, comen juntos, duermen juntos y tienen encuentros sexuales.

El primer diálogo se escucha a los 20 minutos, las confesiones (él tiene un hijo en Nigeria) son mínimas y el director se limita a construir con imágenes casi siempre en interiores ese micromundo básico, primario, patético para nuestras convenciones, pero tierno y funcional para esos seres tan distintos y tan únicos.

CRÍTICA:

TRAILER

Das Mädchen

und die Spinne

The Girl and the Spider.

2 PREMIOS.

GANADORA MEJOR DIRECCIÓN: Ramón Zürcher, Silvan Zürcher

GANADORA PREMIO FIPRESCI.

SINOPSIS: Lisa se va a mudar. Mara se queda. A medida que se cambian las cajas y se construyen los armarios, los abismos comienzan a abrirse y se pone en marcha una montaña rusa emocional. Una película de catástrofe tragicómica. Una balada poética sobre el cambio y la fugacidad. Una inminente mudanza, múltiples arreglos en el departamento que va a ser ocupado, amigas y amigos que van y vienen, viejos y nuevos vecinos, una madre que está pendiente de todo, trabajadores que están allí para subir y armar muebles o arreglar todo aquello que no funciona, máscotas varias que deambulan. Los hermanos Zürcher (The Strange Little Cat) conciben auténticas coreografías en las que los personajes se entrecruzan, los intercambios de diálogos se confunden, los recuerdos se arremolinan. Es un caos controlado, una narración con arrestos de humor absurdo, personajes algo excéntricos, toques melancólicos y cierto lirismo.

Lisa (Liliane Amuat) se está yendo del departamento que compartía con Mara (Henriette Confurius) e ingresando a uno nuevo donde vivirá sola. Es un momento de inestabilidad, de cambio, de historias pasadas y otras por venir. Esa precariedad, esa sensación de angustia, despedida y desconcierto es la que transmite esta película coral e impresivible, tan caprichosa como por momentos fascinante.

CRÍTICAS:

TRAILER

HYGIÉNE

SOCIALE

Higiene Social.

1 PREMIO.

GANADORA MEJOR DIRECCIÓN: Denís Coté.

SINOPSIS: Antonin es una especie de dandy. Maneja tan bien las palabras que podría haber sido un escritor famoso, pero en lugar de eso prefiere utilizarlas para evitar los problemas. Atrapado en el dilema de si pertenecer a la sociedad o escapar de ella, su encanto e ingenio serán puestos a prueba por cinco mujeres diferentes.Primero, una necesaria confesión cinéfila. Me gusta mucho (en sus múltiples facetas, ya sean más narrativas o más experimentales, tanto en la ficción como en el documental) la obra de Denis Côté. Sin embargo, no pude entrar en el código y disfrutar (como sí lo hicieron casi todos mis colegas) de la propuesta de Hygiène sociale, una película que se pretende divertida y que fue concebida para ser rodada en plena pandemia (quizás la referencia a la “higiene social” tenga que ver con eso). Tenemos en el centro de la escena a Antonin (Maxim Gaudette), un dandy con veleidades artísticas que se siente incomprendido por la sociedad.

El andamiaje del film son una decena de largos planos fijos con la cámara a distancia y nuestro antihéroe discutiendo a los gritos con cinco mujeres: su esposa, su hermana, una joven a la que desea, una recaudadora de impuestos y una víctima de sus argucias. Lo que impera en la película es la exageración y el artificio, un tono con algo de Albert Serra o Bruno Dumont, pero sin demasiado vuelo. El distanciamiento social estuvo asegurado durante el rodaje; el resultado es también muy distante al de los mejores trabajos del talentoso, prolífico e inclasificable director canadiense.

CRÍTICOS:

TRAILER

MANTAGHEYE

PAYANI

District Terminal.

1 NOMINACIÓN.
MEJOR ÓPERA PRIMA.

SINOPSIS: Teherán, en un futuro cercano. La polución y un virus letal han convertido la ciudad en un vertedero y forzado a la población a emigrar o a vivir en cuarentena. Futurista y apocalíptica, la película de la dupla Yadegari y Mirhosseini es política, desgarradora y experimental a la vez, una combinación que en la mayoría de los casos resultaría en un pastiche, pero que aquí termina siendo por momentos deslumbrante. El protagonista es Peyman (Bardia Yadegari), un poeta heroinómano que escribe guiones por encargo mientras intenta (y no puede por la censura) publicar un libro en el que viene trabajando desde hace demasiados años. Peyman vive con su madre rezongona, mantiene una relación distante con su hija adolescente, se supone que en algún momento podría emigrar a los Estados Unidos (tiene un “matrimonio a distancia”), va sin demasiada convicción a grupos de autoayuda para tratar su adicción, mantiene algún que otro affaire y tiene dos amigos, Ramin y Mozhgan, tan o más patéticos que él.

En esa Teherán semidestruida, dominada por la polución, la cuarentena y la vigilancia oficial, agobiada por la pobreza y amenazada por una inminente guerra, subsiste nuestro perfecto antihéroe en una tragicomedia que bebe de la obra de Ariel Dorfman y cita a Luz de invierno, de Ingmar Bergman; y a First Reformed, de Paul Schrader. Una auténtica (y bienvenida rareza). Así, con la también valiosa Ballad of a White Cow (presentada en Competencia Oficial) el cine iraní redondeó una notable participación (como suele ocurrir en la Berlinale) en esta edición.

CRÍTICA:

TRAILER

AZOR

Azor.

1 NOMINACIÓN.
MEJOR ÓPERA PRIMA.

SINOPSIS: Yvan De Wiel, banquero privado de Ginebra, viaja a Argentina en medio de una dictadura para reemplazar a su pareja, objeto de los rumores más preocupantes, que desapareció de la noche a la mañana. Suizo de nacimiento, pero radicado durante un tiempo en Buenos Aires, Andreas Fontana parece haber unido ambos mundos en su ópera prima, Azor. El film se centra en las desventuras de Yvan De Wiel (Fabrizio Rongione), un poderoso banquero que llega con cobertura diplomática a la Argentina en plena dictadura militar (fines de 1980) junto a su esposa Inés (Stéphanie Cléau) en busca de su socio René Keys, misteriosamente desaparecido. Los financistas han hecho multimillonarios negocios sanctos y de los otros con distintos referentes de la clase alta porteña (desde empresarios hasta militares y prelados), pero hay algo oscuro en la historia de Keys.

Dividido en cinco partes (La gira del camello, Las visitas, Un duelo, La gala y Lázaro), este guion en el que colaboró Mariano Llinás expone el clima siniestro de la época sin excesos ni subrayados (muy buena la fotografía del rumano Gabriel Sandru). Una historia de complicidades, ilícitos, secretos y mentiras que por momentos recuerda a la descripción social de Rojo, de Benjamín Naishtat. La narración por momentos titubea un poco, pero encuentra un desenlace implacable y digno de la literatura de Joseph Conrad: un viaje al corazón de las tinieblas.

CRÍTICA:

TRAILER

OTROS FILMES: COMPETENCIA ENCOUNTERS

-As I Want (Egipto / Francia / Noruega / Palestina), de Samaher Alqadi. World premiere / Documental / Opera prima

-The Beta Test (Estados Unidos / Reino Unido, de Jim Cummings y PJ McCabe, con Jim Cummings, Virginia Newcomb, PJ McCabe. World premiere

-Blutsauger (Bloodsuckers, Alemania), de Julian Radlmaier, con Alexandre Koberidze, Lilith Stangenberg, Alexander Herbst, Corinna Harfouch. World premiere

-Moon, 66 Questions (Grecia / Francia), de Jacqueline Lentzou, con Sofia Kokkali y Lazaros Georgakopoulos. " nominaciones: World premiere / Opera prima

-Rock Bottom Riser (Estados Unidos) de Fern Silva. World premiere / Film experimental / Opera prima

-The Scary of Sixty-First (Estados Unidos) de Dasha Nekrasova, con Betsey Brown, Madeline Quinn, Dasha Nekrasova. World premiere / Opera prima

SECCIÓN BERLINALE SPECIAL

-Tina (Estados Unidos), de Dan Lindsay y T. J. Martin, con Tina Turner, Angela Bassett, Oprah Winfrey, Katori Hall. World premiere / Documental (foto arriba) ★★★★✩

-Language Lessons (Estados Unidos), de Natalie Morales, con Natalie Morales, Mark Duplass, Desean Terry. World premiere / Opera prima ★★★½

-Per Lucio (For Lucio, Italia), de Pietro Marcello. World premiere / Documental ★★★½

-Best Sellers (Canadá/Reino Unido), de Lina Roessler, con Michael Caine, Aubrey Plaza. World premiere / Opera prima

-Courage (Alemania), de Aliaksei Paluyan, con Maryna Yakubovich, Pavel Haradnizky, Denis Tarasenka. World premiere / Documental / Opera prima

-French Exit (Canadá/Irlanda), de Azazel Jacobs, con Michelle Pfeiffer, Lucas Hedges, Valerie Mahaffey, Imogen Poots

-Je suis Karl (Alemania/República Checa), de Christian Schwochow, con Luna Wedler, Jannis Niewöhner, Milan Peschel. World premiere

-Limbo (Hong Kong/China), de Cheang Soi, con Lam Ka Tung, Liu Cya, Lee Mason, Hiroyuki Ikeuchi. World premiere

-The Mauritanian (Reino Unido) de Kevin Macdonald, con Jodie Foster, Tahar Rahim, Shailene Woodley, Benedict Cumberbatch

-Tides (Alemania/Suiza), de Tim Fehlbaum, con Nora Arnezedar, Iain Glen, Sarah-Sofie Boussnina. World premiere

-Wer wir waren (Who We Were, Alemania), de Marc Bauder, con Alexander Gerst, Sylvia Erle, Dennis Snower, Matthieu Ricard. World premiere / Documental

SECCIÓN FORUM

-Esquí (Ski, Argentina / Brasil), de Manque La Banca, con José Alejandro Colin, Segundo Botti, Shaman Herrera. World premiere / Opera prima ★★★½

-Qué será del verano (What Will Summer Bring, Argentina), de Ignacio Ceroi, con Ignacio Ceroi, Mariana Martinelli, Charles Louvet. World premiere ★★★✩✩

-The First 54 Years – An Abbreviated Manual for Military Occupation (Francia / Finlandia / Israel / Alemania), de y con Avi Mograbi. World premiere ★★★✩✩

-Jai jumlong (Come Here, Tailandia), de Anocha Suwichakornpong, con Apinya Sakuljaroensuk, Waywiree Ittianunkul, Sirat Intarachote. World premiere ★★★✩✩

-A River Runs, Turns, Erases, Replaces (Estados Unidos), de Shengze Zhu. World premiere ★★★★✩

-À pas aveugles (From Where They Stood, Francia / Alemania), de Christophe Cognet, con Christophe Cognet. World premiere

-Anmaßung (Anamnesis, Alemania), de Chris Wright y Stefan Kolbe, con Nadia Ihjelj, Josephine Hock. World premiere

-Doch rybaka (Tzarevna Scaling, Rusia), de Uldus Bakhtiozina, con Alina Korol, Viktoria Lisovskaya, Valentina Yasen. International premiere / Opera prima

-Garderie nocturne (Night Nursery, Burkina Faso / Francia / Alemania), de Moumouni Sanou. World premiere / Opera prima

-The Inheritance (Estados Unidos), de Ephraim Asili, con Eric Lockley, Nozipho McClean, Chris Jarrell. Opera prima

-Juste un mouvement (Just A Movement, Bélgica / Francia), de Vincent Meessen, con Dialo Blondin Diop, Ousman Blondin Diop, Marie-Thérèse Diedhiou. World premiere

-Mbah Jhiwo (Mbah Jhiwo / Ancient Soul, España), de Alvaro Gurrea, con Yono Aris Munandar, Sayu Kholif, Musaena’h. World premiere / Opera prima

-No táxi do Jack (Jack’s Ride, Portugal), de Susana Nobre, con Amindo Martins Rato, Maria Carvalho, Joaquim Verissimo. World premiere

-Sichuan hao nuren (The Good Woman of Sichuan, Canadá), de Sabrina Zhao, con Weihang He, Ruobing Zhao. World premiere / Opera prima

-Ste. Anne (Canadá), de Rhayne Vermette, con Isabelle d’Eschambault, Jack Theis, Valerie Marion. World premiere / Opera prima

-Taming the Garden (Suiza / Alemania / Georgia) de Salomé Jashi

-La veduta luminosa (The Luminous View, Italia / España), de Fabrizio Ferraro, con Alessandro Carlini, Catarina Wallenstein, Freddy Paul Grunert. World premiere

SECCIÓN GENERATION

Jurado: Jella Haase (Alemania), Mees Peijnenburg (Países Bajos) y Melanie Waelde (Alemania)

Subsección Generation Kplus

-Una escuela en Cerro Hueso (A School in Cerro Hueso, Argentina). Dirección: Betania Cappato. Con Mara Bestelli, Pablo Seijo, Clementina Folmer, Irene Zequin. World premiere (foto arriba) ★★★★✩

-Beans (Canadá). Dirección: Tracey Deer. Con Kiawentiio Tarbell, Rainbow Dickerson, Violah Beauvais, Paulina Alexis

-Ensilumi (Any Day Now, Finlandia). Dirección: Hamy Ramezan. Con Aran–Sina Keshvari, Shahab Hosseini, Shabnam Ghorbani, Kimiya Eskandari. International premiere

-Han Nan Xia Ri (Summer Blur, China). Dirección: Han Shuai. Con Gong Beibi, Huang Tian, Zhang Xinyuan, Yan Xingyue. Opera prima

-Jong chak yeok (Short Vacation, Corea del Sur). Dirección: Kwon Min-pyo, Seo Hansol. Con Seol Si-yeon, Bae Yeon-woo, Park So-jung, Han Song-hee. International premiere / Opera prima

-Last Days at Sea (Filipinas / Taiwán). Dirección: Venice Atienza. World premiere / Documental / Opera prima

-Mission Ulja Funk (Alemania / Luxemburgo / Polonia). Dirección: Barbara Kronenberg. Con Romy Lou Janinhoff, Jonas Oeßel, Hildegard Schroedter, Luc Feit. World premiere / Opera prima

-Nelly Rapp – Monster Agent (Suecia) Dirección: Amanda Adolfsson. Con Matilda Gross, Lily Wahlsteen, Marianne Mörck, Johan Rheborg. International premiere

Subsección Generation 14plus

-Cryptozoo (USA) Dirección: Dash Shaw. Con Lake Bell, Michael Cera, Zoe Kazan, Louisa Krause, Angeliki Papoulia. International premiere / Animación

-Fighter (Corea del Sur). Dirección: Jéro Yun. Con Lim Seong-mi, Baek Seo-bin, Oh Kwang-rok, Lee Seung-yeon. International premiere

-From the Wild Sea (Dinamarca). Dirección: Robin Petré. World premiere / Documental / Opera prima

-La Mif (The Fam, Suiza). Dirección: Fred Baillif. Con Claudia Grob, Anaïs Uldry, Kassia Da Costa, Joyce Esther Ndayisenga, Charlie Areddy, Amélie Tonsi, Amandine Golay, Sara Tulu. World premiere

-Ninjababy (Noruega). Dirección: Yngvild Sve Flikke. Con Kristine Kujath Thorp, Arthur Berning, Nader Khademi, Tora Dietrichson. International premiere

-Stop-Zemlia (Ucrania). Dirección: Kateryna Gornostai. Con Maria Fedorchenko, Arsenii Markov, Yana Isaienko, Oleksandr Ivanov. World premiere / Opera prima

-Tabija (The White Fortress, Canadá / Bosnia y Herzegovina. Dirección: Igor Drljača. Con Pavle Čemerikić, Sumeja Dardagan, Jasmin Geljo, Kerim Čutuna. World premiere

SECCIÓN PANORAMA

-Ted K (Estados Unidos), de Tony Stone, con Sharlto Copley. World premiere ★★★½

-Censor (Reino Unido), de Prano Bailey-Bond, con Niamh Algar, Michael Smiley, Nicholas Burns, Vincent Franklin, Sophia La Porta. Opera prima

-Death of a Virgin, and the Sin of Not Living (Líbano), de George Peter Barbari, con Etienne Assal, Adnan Khabbaz, Jean Paul Frangieh, Elias Saad, Feyrouz Abi Hassan, Souraya Baghdadi. World premiere / Opera prima

-Dirty Feathers (Estados Unidos / México), de Carlos Alfonso Corral. World premiere / Opera prima / Panorama Dokumente

-Genderation (Alemania) de Monika Treut. World premiere / Panorama Dokumente

-Glück (Bliss, Alemania), de Henrika Kull, con Katharina Behrens, Adam Hoya, Nele Kayenberg, Jean-Luc Bubert. World premiere

-Kelti (Celts, Serbia), de Milica Tomović, con Dubravka Kovjanić, Stefan Trifunović, Katarina Dimić, Anja Đorđević. World premiere / Opera prima

-Der menschliche Faktor (Human Factors, Alemania / Italia / Dinamarca), de Ronny Trocker, con Mark Waschke, Sabine Timoteo, Jule Hermann, Wanja Valentin Kube

-Miguel's War (Líbano / Alemania / España), de Eliane Raheb. World premiere / Panorama Dokumente

-Mishehu Yohav Mishehu (All Eyes Off Me, Israel), de Hadas Ben Aroya, con Elisheva Weil, Yoav Hait, Leib Lev Levin, Hadar Katz. World premiere

-Le monde après nous (The World After Us, Francia), de Louda Ben Salah-Cazanas, con Aurélien Gabrielli, Louise Chevillotte, Saadia Bentaïeb, Jacques Nolot. World premiere / Opera prima

-Night Raiders (Canadá / Nueva Zelanda), de Danis Goulet, con Elle-Máijá Tailfeathers, Brooklyn Letexier-Hart, Alex Tarrant, Amanda Plummer. World premiere / Opera prima

-North By Current (Estados Unidos) de Angelo Madsen Minax. World premiere / Panorama Dokumente

-Okul Tıraşı (Brother's Keeper, Turquía / Rumania), de Ferit Karahan, con Samet Yıldız, Ekin Koç, Mahir İpek, Melih Selçuk, Cansu Fırıncı, Nurullah Alaca. World premiere

-Souad (Egipto / Túnez / Alemania), de Ayten Amin, con Bassant Ahmed, Basmala Elghaiesh, Hussein Ghanem. World premiere

-Théo et les métamorphoses (Theo and the Metamorphosis, Francia), de Damien Odoul, con Théo Kermel, Pierre Meunier, Élia Sulem, Louise Morin, Ayumi Roux. World premiere

-A Última Floresta (The Last Forest, Brasil), de Luiz Bolognesi. World premiere / Panorama Dokumente

-Die Welt wird eine andere sein (Copilot, Alemania / Francia), de Anne Zohra Berrached, con Canan Kir, Roger Azar, Jana Julia Roth, Ceci Chuh, Nicolas Chaoui, Özay Fecht. World premiere

-Yuko No Tenbin (A Balance, Japón, de Yujiro Harumoto, con Kumi Takiuchi, Ken Mitsuishi, Masahiro Umeda, Yuumi Kawai

SECCIÓN PERSPEKTIVE DEUTSCHES KINO

-Instructions for Survival (Alemania), de Yana Ugrekhelidze. World premiere / Documental / Opera prima

-Jesus Egon Christus (Jesus Egon Christ, Alemania), de David Vajda y Saša Vajda, con Paul Arámbula, Sascha Alexander Geršak, Roxanna Stewens, Benjamin Stein, Zora Schemm, Angelo Martone. World premiere

-In Bewegung bleiben (Keep Moving, Alemania), de Salar Ghazi. World premiere / Documental / Opera prima

-Die Saat (The Seed, Alemania), de Mia Maariel Meyer, con Hanno Koffler, Dora Zygouri, Robert Stadlober, Anna Blomeier, Andreas Döhler, Lilith Julie Johna. World premiere

-When a Farm Goes Aflame (Alemania), de Jide Tom Akinleminu. World premiere / Documental

-Wood and Water (Alemania / Francia), de Jonas Bak, con Anke Bak, Ricky Yeung, Alexandra Batten, Patrick Lo, Theresa Bak. World premiere / Opera prima

SECCIÓN BERLINALE SERIES

-Entre hombres (Amongst Men, Argentina), de Pablo Fendrik (foto arriba) / Texto de Diego Batlle en el diario La Nación ★★★½

-It’s a Sin (Reino Unido), de Russell T. Davies ★★★★✩

-Ich und die Anderen (Me and the Others, Austria-Alemania), de David Schalko

-Os últimos dias de Gilda (The Last Days of Gilda, Brasil), de Gustavo Pizzi

-Philly D.A. (Estados Unidos), de Ted Passon y Yoni Brook (documental)

-Snöänglar (Snow Angels, Suecia-Dinamarca), de Mette Heen

COMPETENCIA BERLINALE SHORTS

Jurado: Basim Magdy (Egipto), Christine A. Maier (Austria) y Sebastian Urzendowsky (Alemania)

-Nanu Tudor (My Uncle Tudor, Bélgica-Portugal-Hungría), de Olga Lucovnicova (ganador del Oso de Oro)

-Xia Wu Guo Qu Le Yi Ban (Day Is Done, China), de Zhang Dalei (ganador del Oso de Plata)

-Al motociclista no le cabe la felicidad en el traje (Motorcyclist’s Happiness Won’t Fit Into His Suit, México), de Gabriel Herrera

-Les Attendants (The Men Who Wait, Francia-Singapur), de Truong Minh Quý

-Blastogenese X (Blastogenesis X, Alemania), de Conrad Veit y Charlotte Maria Kätzl

-Deine Strasse (Your Street, Suiza) de Güzin Kar

-Easter Eggs (Bélgica-Francia-Países Bajos), de Nicolas Keppens

-Das Glitzern im Barbieblut (Glittering Barbieblood, Alemania), de Ulu Braun

-International Dawn Chorus Day(Canadá), de John Greyson

-A Love Song in Spanish (Francia-Panamá), de Ana Elena Tejera

-Luz de Presença (A Present Light, Portugal), de Diogo Costa Amarante

-More Happiness (Estados Unidos), de Livia Huang

-One Hundred Steps (Alemania-Francia), de Bárbara Wagner y Benjamin de Burca

-One Thousand and One Attempts to Be an Ocean (Francia), de Wang Yuyan

-Rehearsal (Nigeria), de Michael Omonua

-Si t’as un coeur (Young Hearts, Francia), de Émilie Vandenameele

-Strange Object (Reino Unido), de Miranda Pennell

-Vadim na progulke (Vadim on a Walk, Rusia), de Sasha Svirsky

-Ventana (Window, Estados Unidos), de Edgar Jorge Baralt

-Zonder Meer (Bélgica), de Meltse Van Coillie

RETROSPECTIVA: NO ANGELS – MAE WEST, ROSALIND RUSSELL & CAROLE LOMBARD

-Night After Night, USA 1932, de Archie Mayo, con George Raft, Constance Cummings, Wynne Gibson, Mae West

-No Man of Her Own, USA 1932, de Wesley Ruggles, con Clark Gable, Carole Lombard, Dorothy Mackaill, Grant Mitchell

-I’m No Angel, USA 1933, de Wesley Ruggles, con Mae West, Cary Grant, Gregory Ratoff, Edward Arnold

-She Done Him Wrong, USA 1933, de Lowell Sherman, con Mae West, Cary Grant, Owen Moore, Gilbert Roland

-Belle of the Nineties, USA 1934, de Leo McCarey, con Mae West, Roger Pryor, Johnny Mack Brown, John Miljan

-Lady by Choice, USA 1934, de David Burton, con Carole Lombard, May Robson, Roger Pryor, Walter Connolly

-Twentieth Century, USA 1934, de Howard Hawks, con John Barrymore, Carole Lombard, Walter Connolly, Roscoe Karns

-Goin’ to Town, USA 1935, de Alexander Hall, con Mae West, Paul Cavanagh, Gilbert Emery, Marjorie Gateson

-Hands Across the Table, USA 1935, de Mitchell Leisen, con Carole Lombard, Fred MacMurray, Ralph Bellamy, Astrid Allwyn

-Go West Young Man, USA 1936, de Henry Hathaway, con Mae West, Warren William, Randolph Scott, Alice Brady

-Klondike Annie, USA 1936, de Raoul Walsh, con Mae West, Victor McLaglen, Philip Reed, Helen Jerome Eddy

-My Man Godfrey, USA 1936, de Gregory La Cava, con William Powell, Carole Lombard, Alice Brady, Gail Patrick

-Nothing Sacred, USA 1937, de William A. Wellmann, con Carole Lombard, Frederic March, Charles Winniger, Walter Connolly

-True Confession, USA 1937, de Wesley Ruggles, con Carole Lombard, Fred MacMurray, John Barrymore, Una Merkel

-Every Day’s a Holiday, USA 1938, de A. Edward Sutherland, con Mae West, Edmund Lowe, Charles Butterworth, Charles Winninger

-Four’s a Crowd, USA 1938, de Michael Curtiz, con Errol Flynn, Olivia de Havilland, Rosalind Russell, Patric Knowles

-The Women, USA 1939, de George Cukor, con Norma Shearer, Joan Crawford, Rosalind Russell, Mary Boland

-Hired Wife, USA 1940, de William A. Seiter, con Rosalind Russell, Brian Aherne, Virginia Bruce, Robert Benchley

-His Girl Friday, USA 1940, de Howard Hawks, con Cary Grant, Rosalind Russell, Ralph Bellamy, Gene Lockhart

-My Little Chickadee, USA 1940, de Edward F. Cline, con Mae West, W. C. Fields, Joseph Calleia, Dick Foran

-Design for Scandal, USA 1941, de Norman Taurog, con Rosalind Russell, Walter Pidgeon, Edward Arnold, Lee Bowman

-Mr. & Mrs. Smith, USA 1941, de Alfred Hitchcock, con Carole Lombard, Robert Montgomery, Gene Raymond, Jack Carson

-This Thing Called Love, USA 1941, de Alexander Hall, con Rosalind Russell, Melvyn Douglas, Binnie Barnes, Allyn Joslyn

-My Sister Eileen, USA 1942, de Alexander Hall, con Rosalind Russell, Brian Aherne, Janet Blair, George Tobias

-Take a Letter, Darling, USA 1942, de Mitchell Leisen, con Rosalind Russell, Fred MacMurray, Macdonald Carey, Constance Moore

-To Be or Not to Be, USA 1942, de Ernst Lubitsch, con Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Felix Bressart

-What a Woman!, USA 1943, de Irving Cummings, con Rosalind Russell, Brian Aherne, Willard Parker, Alan Dinehart

Anuncio de las decisiones del jurado:

Competición y Encuentros.

Anuncio de las decisiones del jurado:

Berlinale Shorts & Generation

Berlinale

Festival Internacional de Cine de Berlín

“Si el Concurso ofrece una imagen del cine tal como es y como será,

 podemos decir que la disrupción provocada por los acontecimientos de

2020 ha llevado a los cineastas a aprovechar esta situación y crear

películas profundamente personales. Este concurso es menos rico en

números pero muy denso en contenido y estilo ”,

comenta el director artístico Carlo Chatrian sobre la selección.

THE END

Debido al COVID-19 el Festival de Sundance se transmitió vía Streaming.

Después de seis días y 73 largometrajes, se llevó a cabo la Ceremonia

de Premios del Festival de Cine de Sundance 2021, organizada por el actor

y comediante Patton Oswalt, y los jurados presentaron 24 premios para

largometrajes y siete para cortometrajes. Los homenajeados, nombrados

en total a continuación, representan nuevos logros en la narración

global independiente. Las historias audaces, íntimas y humanizadoras

prevalecieron en todas las categorías, con premios del gran jurado otorgados a

CODA (drama de EE. UU.), Summer of Soul (... o, cuando la revolución no pudo

ser televisada) (documental de EE. UU.), Flee (documental de cine mundial ) y

Hive (World Cinema Dramatic).

“Este ha sido un Festival singular por un momento singular”, dijo Keri Putnam,

directora ejecutiva del Instituto Sundance. “Hemos podido elevar el arte

independiente y celebrar una maravillosa lista de películas reuniendo de

nuevas formas, formas que funcionaron gracias a un público aventurero en

todas partes, ansioso por conectarse e involucrarse con el trabajo y entre

nosotros. Ver a las personas reunirse para conectarse y debatir sobre un nuevo

y emocionante trabajo ha sido increíblemente gratificante, y una confirmación

rotunda de que una gran narración independiente inspira una conversación

enriquecedora ".

"Este no fue un festival 'virtual', fue un festival real y el poder de estos

artistas y su trabajo fue lo que lo hizo así", agregó la directora del

Festival de Cine de Sundance, Tabitha Jackson, "Ha sido un privilegio ayudar

a este trabajo a cumplir nuevas audiencias y entrar en la cultura con

tanta fanfarria, especialmente ahora, cuando romper el ruido es más difícil

que nunca ".

La ceremonia de premiación marca un punto clave del Festival 2021, donde

73 largometrajes y 50 cortometrajes, seleccionados entre más de 14,000

presentaciones, se exhibieron en línea a través de la plataforma en línea

personalizada del Festival, así como en 28 ubicaciones de pantallas satélite

en todo los Estados Unidos. Las películas premiadas se proyectarán para los

poseedores de pases mañana, 3 de febrero.

Los jurados de este año, invitados en reconocimiento a sus logros en las artes,

el oficio técnico y la narración visionaria, deliberaron extensamente antes

de entregar premios desde el escenario; Los miembros del jurado de largometrajes

de este año fueron Julie Dash, Cynthia Erivo, Hanya Yanagihara, Ashley Clark,

Joshua Oppenheimer, Lana Wilson, Zeynep Atakan, Isaac Julien, Daniela Vega,

Kim Longinotto, Mohamed Saïd Ouma y Jean Tsien. Kate y Laura Mulleavy

se desempeñaron como co-jurados de NEXT. Los jurados de los cortos fueron

Raúl Castillo, Tacita Dean e Inge de Leeuw. Un premio recién creado,

el Premio de Edición Jonathan Oppenheim para Documental de EE. UU.,

Se creó para conmemorar al difunto editor y se une al Premio de Escritura

de Guión Waldo Salt para Drama de EE. UU. Como un premio que lleva el

nombre de un miembro querido de la comunidad artística de Sundance.

Los premios del público de este año fueron presentados por los

ex alumnos de Sundance Alison Brie, Shira Haas y Diego Luna.

MEJOR PELÍCULA USA.

JURADO:

Julie Dash: Directora de cine (EEUU)
Cynthia Erivo: Actriz (Reino Unido)
Hanya Yanagihara: Escritora (EEUU)

PELÍCULAS

GANADORAS

CODA

Coda.

Ganadora de 4 Premios.

Gran premio del Jurado : Mejor Película USA.

Premio Especial del Jurado: Mejor Reparto.

Premio del Público: Mejor Película USA.

Mejor dirección Drama: Sian Heder.

SINOPSIS: Ruby (Emilia Jones) es el único miembro con audición de una familia de sordos. A sus 17 años, trabaja por la mañana con sus padres y su hermano en Gloucester, Massachusetts, antes de ir a clase, tratando de mantener a flote su negocio pesquero. Ávida de encontrar nuevas aficiones, Ruby decide probar suerte en el coro de su instituto, donde no sólo descubre una latente pasión por el canto, sino también una fuerte atracción física por la persona con la que realiza duetos. Su entusiasta profesor (Eugenio Derbez) ve algo especial en ella y la anima a que piense en la posibilidad de entrar en la escuela de música, algo que la obligaría a tener que tomar una decisión de cara a su futuro: o sus estudios, o su familia. REMAKE DEL FILM FRANCÉS "LA FAMILIA BÉLIER (2014)"

Durante el Festival de Sundance 2021, Apple+ compró los derechos de CODA por $25 millones de dólares.

CRITICAS:

TRAILER

JOCKEY

Jockey.

Ganadora de 1 Premio.

Premio Especial del Jurado- Drama.

Título original: Jockey
Año: 2021
Duración: 99 min.: Estados Unidos
Dirección: Clint Bentley
Guion: Clint Bentley, Greg Kwedar
Música: Aaron Dessner, Bryce Dessner
Fotografía: Adolpho Veloso
Reparto: Clifton Collins Jr., Molly Parker, Moises Arias
Productora: Marfa Peach Company, Contrast Films. Distribuidora: Sony Pictures Classics
Género: Drama | Deporte. Caballos. Cine independiente USA

SINOPSIS: Jackson (Clifton Collins Jr.) es un jinete veterano pero, a medida que su estado de salud se deteriora, trata de afrontar la que podría ser su última temporada como jockey. Con la ayuda de Ruth (Molly Parker) y un nuevo y prometedor caballo, Jackson se pone en marcha para el próximo campeonato. Todos sus planes saltan por los aires cuando un joven jinete (Moisés Arias) se presenta en su casa asegurando ser su hijo. Atrapado entre sus sentimientos y el miedo al futuro, Jackson se verá obligado a hacer frente a importantes decisiones relacionadas con su legado.

CRÍTICA:

"Trasciende la división entre actores profesionales y no profesionales, logrando la clase de fusión entre narrativa y documental que intentaba 'Nomadland'"

Sheri Linden: The Hollywood Reporter
"Este inmersivo drama quiere evocar la clase de atmósfera agotadora y resignada conjurada por westerns postmodernos como 'Hud' y en su mayor parte, lo consigue"

Ryan Lattanzio: IndieWire
"Clint Bentley permanece fiel a sus decadentes personajes, imbuyendo la película con un elegante desencanto que evita las grandes escenas emocionales y las reemplaza por serenas reflexiones y sabiduría amarga"

Tim Grierson: Screendaily
"Clifton Collins, Jr. ofrece la mejor interpretación de su carrera en este conmovedor drama Si entramos en el juego de las comparaciones, piensa en ella como una 'The Wrestler' con caballos en lugar de spandex"

Andrew Crump: The Playlist
"Tiene uno o dos giros inesperados, pero es tan genérica que te puedas imaginar, combinando momentos de 'The Wrestler' y 'Friday Night Lights' para aprovechar sus limitaciones al máximo"

Josiah Hughes: Exclaim!

TRAILER

ON THE

COUNT

OF THREE

A la cuenta de tres.

Ganadora de 1 Premio.

Mejor Guión: Jerrod Carmichael.

SINOPSIS: Val (Jerrod Carmichael) ha llegado a un punto en el que siente que la única forma de escapar de su situación pasa por acabar con su propia vida. Como se considera a sí mismo un fracasado, decide buscar a alguien que le pueda ayudar. Da la casualidad que su mejor amigo, Kevin (Christopher Abbott), está recuperándose de un intento fallido de suicidio, por lo que parece ser el compañero perfecto para ejecutar su dramático plan. Sin embargo, antes de quitarse mútuamente la vida, ambos tendrán que zanjar un par de asuntos pendientes.

CRÍTICA:

No existe el TRAILER aún.

MEJOR DOCUMENTAL USA

JURADO:

Ashley Clark: Crítico de cine. (Reino Unido)
Joshua Oppenheimer: Director de Cine (Reino Unido)
Lana Wilson: Documentalista (USA)

DOCUMENTALES

GANADORES

SUMMER

OF SOUL...

Summer of Soul (...Or, When the Revolution Could Not Be Televised)

Ganadora de 2 Premios.

Gran premio del Jurado : Mejor Documental USA.

Premio del Público: Mejor Documental USA.

SINOPSIS: Explora el legendario Harlem Cultural Festival celebrado en los Estados Unidos en 1969. En él se rindió homenaje a la cultura y música afroamericana, además de promover el 'black pride' y la unidad entre personas de una misma raza.

CRÍTICAS:

TRAILER

ALL LIGHT,

EVERYWHERE.

All Light, Everywhere.

Ganadora de 1 Premio.

Premio Especial del Jurado : Mejor Documental (A la experimentación no ficción: Theo Anthony.

Título original: All Light, Everywhere
Año: 2021
Duración: 105 min.: Estados Unidos
Dirección: Theo Anthony
Música: Dan Deacon
Fotografía: Corey Hughes
Reparto: Documental, Keaver Brenai
Productora: Sandbox Films, Memory, Nice Shoes
Género: Documental

SINOPSIS: Un estudio en profundidad sobre los prejuicios del ser humano a la hora de analizar una situación determinada en una sociedad repleta de distintos métodos de vigilancia, ahondando específicamente en el uso de las cámaras corporales de las fuerzas policiales.

CRÍTICAS:

"Una provocadora mirada a la conexión entre las cámaras modernas y las armas de destrucción. Demanda al espectador perderse en su peculiar longitud de onda"

Eric Kohn: IndieWire
"Brillante y escalofriante estudio sobre aquellos que vigilan a los vigilantes."

Sheri Linden: The Hollywood Reporter
"Una obra esencial no sólo porque nos enseña una larga lista de elementos de vigilancia como lo haría cualquier otro documental, sino porque te obliga a poner en duda la veracidad de todo lo que pasa por nuestros ojos."

Jordan Raup: The Film Stage
"A medida que amasa poder acumulativo, el espectador comienza a preguntarse cuánto entiende realmente de toda la información que pasa ante sus ojos. Pocas películas son tan reveladoras."

Tim Grierson: Screendaily
"Por su perspectiva analítica y sus abstracciones epistemológicas, 'All Light, Everywhere' es una obra de atractivo personal e inmediato."

Richard Brody: The New Yorker
"Un ensayo tenso, fascinante y siniestro sobre la falta de fiabilidad de las imágenes"

Jessica Kiang: Variety

TRAILER

CUSP

Cusp.

Ganadora de 1 Premio.

Premio Especial del Jurado : Mejor Documental (A los cineastas emergentes: Isabel Bethencourt, Parker Hill )

SINOPSIS: En un pueblo militar de Texas en el que abunda la droga, el alcohol y la fiesta, tres chicas jóvenes hacen frente a los rincones más oscuros de la adolescencia cuando el verano está tocando a su fin.

CRÍTICAS:

"Mientras que encuentra magia durante la extraña etapa de transición entre la infancia y la edad adulta, también merece una serie continua enfocada en sus fascinantes protagonistas"

Kate Erbland: IndieWire
"Presenta conversaciones honestas y emociones crudas que quizá sean demasiado íntimas para airear en redes sociales. Un documental hermosamente grabado que deja que sus sujetos simplemente existan"

Ethan Anderton: SlashFilm
"Invoca vínculos con incontables historias iniciáticas americanas. Pero, a pesar de su sensibilidad, respeto y confianza, resulta escasa"

David Rooney: The Hollywood Reporter
"Retrata de manera evocadora a un grupo de adolescentes que practican los rituales de la edad adulta. Puntuación: ★★½ (sobre 4)"

Chuck Bowen: Slant

TRAILER

HOMEROOM

Homeroom.

Ganadora de 1 Premio.

Mejor Montaje.

SINOPSIS: La ciudad de Oakland ofrece un apasionante marco para el estudio. En una urbe que lucha a diario contra una tasa de criminalidad cada vez más alta e importantes deficiencias del servicio sanitario, el servicio público de educación no parece tener los materiales necesarios para preparar a los jóvenes para superar los retos que les esperan en su vida adulta.

CRÍTICAS:

TRAILER

the end

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